adsby.ru → картини художників

Кращі натюрморти в живопису. Натюрморти - зображення неживих предметів. Картини за жанрами

У російському мальовничому мистецтві натюрморт практично завжди був другорядним жанром. А назвати вітчизняного художника-натюрморіста зможуть тільки досвідчені мистецтвознавці. Але, так чи інакше, натюрморт як самостійний жанр став розвиватися в 19 столітті. Першими «ластівками» стали невеликі акварелі і гуаші Ф.П. Толстого і роботи І.Т. Хруцкого. Це були класичні європейські натюрморти з пишними букетами садових квітів і кошиками фруктів. При всьому їх художньому чарівності ці роботи мали дуже обмежене значення для розвитку російської живопису.

Інтерес до натюрморту як до самостійного жанру живопису з'являється в 80-х роках 19 століття. Важливе місце тут належить картинам І.І. Левітана (1860-1900). Вони, як правило, прості за задумом і не великі за розміром, і представляють букети звичних садових або польових квітів. У натюрморті « Лісові фіалки і незабудки »(1889)художник чуйно зрадив крихкість нічних фіалок і легкість блакитних незабудок, їх гармонію з простої сільської глечиком. Близькі по мотиву « Кульбаби »і« Біла бузок ».Перші витримані в теплій гамі, яка дуже органічно виглядає з глиною молочної глечики і жовтими голівками квітів. Ці натюрморти Левітана досить традиційні: букети зображені на нейтральному тлі і ізольовані від навколишнього простору. Сенс цих картин дуже простий - максимально точно передати красу обраної натури. Однак в ці ж час у творчості В. А. Сєрова і К.А. Коровінастали виявлятися нові віяння, що зародилися на полотнах французьких імпресіоністів. Імпресіоністи намагалися зв'язати натюрморт з навколишнім середовищем, І сюжетно, і живописно. Для цього «мертву натуру» виносять в пленер, пов'язують з пейзажем або з'єднують з інтер'єром кімнати. За допомогою натюрморту намагаються створити відображення світовідчуття людини, його настрою і життєвого укладу.

Всі ці тенденції помітні на картині Коровіна «За чайним столом» (1888). На полотні зображено дружнє суспільство на дачі В.Д. Полєнова. Картина написана на терасі заміського будинку. Художник намагається передати відчуття літнього дня, Принадність дружньої бесіди. Свіжість, що виходить від зелені і молодих осіб, створюється в певній мірі і натюрмортом - контрастом червоних налитих ягід в білій тарілці, молоком у високих прозорих склянках, білизною свіжої скатертини. Емоційне єдність картини насамперед досягається мальовничим рішенням полотна. Все зображене написано з урахуванням навколишнього світло-повітряного середовища. на знаменитій картиніСєрова « Дівчинка з персиками »(1887)натюрморт з персиками на передньому плані на перший погляд не грає важливої ролі в композиції полотна. Вся увага художника спрямована на В. Мамонтову, а фрукти тільки доповнюють створений образ. Але персики допомагає Сєрову вирішити важливу художню задачу. Фрукти, за задумом художника, служать колірним ключем до колористическому побудови картини. Сєров підбирає для персиків власний жовтий колір і протиставляє його з білизною скатертини, із зеленню кленового листя і жовтизною світла, що ллється з вікна в сад. Художник розрізняє лимонно-жовті, зелені і золотисто-жовті тони на нерівних боках плодів. Відчутний світло літнього дня, який немов формує персики, визначає весь емоційний і мальовничий лад картини.

У цих роботах Сєров і Коровін відкривають новий етап у розвитку російського натюрморту. Аналітичний характер цих картин принципово відрізняється від існуючої на той момент концепції салонного натюрморту. Головним достоїнством таких робіт вважалося максимальну схожість зображення з предметом. Також високо цінувалося етюдна легкість манери або ретельна обробка мальовничійповерхні. Найбільш точно всі ці принципи втілені на великій картині К. Е. Маковського «В майстерні художника» (1881). Робота вражає «натюрмортного» нагромадженням деталей: екзотичних фруктів, багатих тканин, антикварних раритетів. Величезна собака і маленький хлопчик здаються не живими істотами, а простими експонатами цієї виставки предметів розкоші. Нова ж концепція натюрморту передбачала всебічне розширення меж жанру і злиття його з портретом, пейзажем, внутрішнього та зовнішнього побутової живописом. Натюрморт перестає бути простим зображенням «мертвої природи» і перетворюється в засіб розкриття образу.

Нові віяння помітні в відомій картині В.Д. Полєнова «Хвора» (1886). Інтер'єр і фігура героїні занурені в глибоку тінь - вони лише фон, а смисл розкривається за допомогою компактної групи предметів, яка яскраво освітлена лампою з зеленим абажуром. Цей натюрморт дуже змістовний. Напівобгорілого абажур вихоплюють з темряви зім'яті подушки і простирадла, скляний графин, стакан з водою, пляшечки з ліками і рецепти лікаря. Зліва помітні пошарпані книги в червоній і блакитній обкладинці, можливо це домашні лечебники або альбоми, якими розважали хвору. Подібна композиція є символом того, що все життя цієї хворої зосереджена навколо цього столу і стоять на ньому предметів. На роботі натюрморту віддана активна роль в створенні настрою. Також досить характерний натюрморт, який висунутий на перший план, в картині К.Маковского «Олексійович». На картині постать людини зображена вже на задньому плані, за натюрмортом. Образ благодушного старого розкривається в тій щирої радості, з якою він смакує своє самотнє чаювання. Окраєць хліба, киплячий самовар, варення в скляній банці, дбайливо вкрита рушником коробка з цукром і чаєм - все це створює відчуття спокою і тепла, яке щиро радує невибагливого людини.

Натюрморт(Фр. Nature morte - «мертва природа») - зображення неживих предметів в образотворчому мистецтві, На відміну від портретної, жанрової, історичної та пейзажної тематики.

Вихідну точку раннього натюрморту можна знайти в XV-XVI століттях, коли він розглядався як частина історичної або жанрової композиції. Довгий час натюрморт зберігав зв'язок з релігійною картиною, обрамляючи квітковими гірляндами фігури Богоматері та Христа, а також часто розташовуючись на зворотному боці вівтарного образу (як в «Триптиху сімейства Шлюб» Рогира ван дер Вейдена). Також в XVI столітті була поширена традиція створення портретів із зображенням черепа, наприклад, портрет Жана Каронделя роботи Яна Госсарта (див. Vanitas). Ранні натюрморти часто виконували утилітарну функцію, наприклад, в якості прикраси стулок шафи або для маскування стінний ніші.

Натюрморт остаточно оформляється як самостійний жанр живопису у творчості голландських і фламандських художників XVII в. Предмети в натюрмортной живопису цього періоду часто містять приховану алегорію - або швидкоплинності всього земного і неминучості смерті (ванітас), або - в більш широкому сенсі Страстей Христових і Воскресіння. Це значення передається за допомогою використання предметів - в більшості випадків знайомих і зустрічаються в повсякденному житті, які наділяються додатковим символічним значенням.

нідерландський натюрморт XVIIстоліття

Нідерландський натюрморт представляв собою унікальне культурне явище XVII століття, яке справило вплив на подальший розвиток всього європейського живопису. «Малі голландці» відбили в своїх роботах світ предметів, які живуть своїм тихим, застиглої життям. Термін «застигла життя» (гол. Stilleven, ньому. Stilleben, англ. Still-life) став вживатися для позначення жанру в середині XVII століття, спочатку в Нідерландах. До цього художники називали подібні картини, описуючи сюжет: «Маленький сніданок», «Букет квітів», «Мисливський трофей», «Суєта суєт». Основний переклад зазначеного терміну, зустрічається в літературі - «тиха, нерухома життя».

Натюрморт в російського живопису 18-20 століть

Натюрморт як самостійний жанр живопису з'явився в Росії в початку XVIIIстоліття. Уявлення про нього спочатку було пов'язано з зображенням дарів землі і моря, різноманітного світуречей, що оточують людину. Аж до кінця 19 століття натюрморт, на відміну від портрета і історичної картини, розглядався в якості "нижчого" жанру. Він існував головним чином як навчальна постановка і допускався лише в обмеженому розумінні як живопис квітів і фруктів.

Початок ХХ століття ознаменувався розквітом російської натюрмортной живопису, вперше знайшла рівноправність серед інших жанрів. Прагнення художників розширити можливості образотворчої мови супроводжувалося активними пошуками в області кольору, форми, композиції. Все це особливо яскраво проявилося в натюрморті. Збагачений новими темами, образами і художніми прийомами, російський натюрморт розвивався надзвичайно стрімко: за півтора десятка років він проходить шлях від імпресіонізму до абстрактного формотворчості.

У 30-40-ті роки ХХ століття це розвиток призупинився, але вже з середини 50-х років натюрморт переживає в радянській живопису новий підйом і з цього часу остаточно і твердо встає врівень з іншими жанрами.

російські натюрморісти

Хруцький Іван Хомич (1810-1885)
Грабар Ігор Еммануїлович (1871-1960)
Петров-Водкін Кузьма Сергійович (1878-1939)
Кончаловський Петро Петрович (1876-1956)
Альберті Петро Пилипович (1913-1994)
Антипова Євгенія Петрівна (1917-2009)
Захаров Сергій Юхимович (1900-1993)
Копитцева Майя Кузьмівна (1924-2005)
Котьянц Геворк Вартанович (1906-1996)
Крестовский Ярослав Ігорович (1925-2003)
Осипов Сергій Іванович (1915-1985)
Позднєєв Микола Матвійович (1930-1978)
Румянцева Капітоліна Олексіївна (1925-2002)
Скуінь Олена Петрівна (1909-1986)
Тетерін Віктор Кузьмич (1922-1991)
Шаманов Борис Іванович (1931-2008)

Натюрморт як самостійний жанр живопису остаточно оформився в XVII в. в творчості голландських і фламандських художників.

До цього часу він не був самостійним жанром, а лише включався в інші жанри як обрамлення інших картин (наприклад, квітковими гірляндами), прикраси меблів, інтер'єру і т.д.

термін

Слово «натюрморт» в перекладі з французької означає «мертва природа» (nature morte). Квіти у вазі - це натюрморт; ті ж квіти на клумбі або в палісаднику - пейзаж. У широкому сенсі натюрморт - це художнє зображеннянеживих предметів: рослин, дичини, посуду і т.д. Художник не зображує предмети «з натури», як вони розташовані в інтер'єрі, а свідомо так компонує їх, щоб вирішити якусь свою смислову і художню задачу.
Часто натюрморти містять приховану алегорію через використання звичайних предметів, які художник наділяє символом, додатковим змістом і значенням. Приклад алегоричного натюрморту - ванітас (з латинської vanitas «суєта, марнославство»).

різновиди натюрморту

ванітас

Майкл Конрад Хирт. ванітас
Ванітас - алегоричний натюрморт. Зазвичай на ньому, серед іншого, зображується череп. Такий натюрморт призначений для нагадування про швидкоплинність життя, марності задоволень і неминучості смерті - роздумів над сенсом людського існування. Термін взятий з вірша з Біблії: «Суєта суєт, сказав Проповідник, марнота марнот, - все суєта!». За латиною це звучало так: « Vanitas vanitatum dixit Ecclesiastes vanitas vanitatum omnia vanitas». Більш докладно про ванітас можна прочитати.

голландський натюрморт

Нідерландський натюрморт, що оформився в XVII в. як самостійний жанр, вплинув на подальший розвиток всього європейського живопису. Виявляється, звичайні предмети також живуть, але життя їх тиха і непомітна для людини. У цьому є якась таємниця. Мабуть, тому жанр натюрморту став популярним і зберігся до наших днів. Іноді натюрморт притягує погляд, хвилює почуття, від нього неможливо відірватися - виникають якісь асоціації, швидкоплинні спогади ...

квітковий натюрморт

Цей вид натюрморту, мабуть, найпоширеніший і найперший, що виділився в окремий жанр.

Ян Давідс де Хем (1606-1684). Натюрморт з квіткової вазою (близько +1645). Національна галерея мистецтва (Вашингтон)
Традиційно в Нідерландах вирощувалося багато квітів, розводили сади, тому квіткові натюрморти були природним продовженням життя суспільства. Найпершими художниками цього жанру були Амброзіус Босхарта Старший (1573-1621) і Бальтасар ван дер Аст (1593-1657).

Амброзіус Босхарта Старший «Тюльпани, троянди, білі і рожеві гвоздики, незабудки та інші квіти у вазі» (близько 1619). Масло на міді

вчений натюрморт

Найбільш інтелектуальний вид натюрморту. У таких натюрмортах передбачалося роздум над зображеним, а для цього - знання Біблії та інші пізнання про світ. У цю категорію можна віднести і ванітас, але вчений натюрморт з тематики ширше: в ньому присутні книги, музичні інструменти і т.д.

Марія ван Остервейк. Натюрморт

Д. Анненков «Роздуми з Бодлером»

Натюрморт в російського живопису

У Росії натюрморт як самостійний жанр з'явився на початку XVIII в. Але деякий час (майже до кінця XIXв.) натюрморт вважався нижчим жанром і зображував тільки квіти і фрукти.
Відомим художником цього жанру в XIX в. був І. Хруцький.

І. Хруцький. Натюрморт з вазою (один тисячу вісімсот тридцять два)

І. Хруцький «Квіти і плоди» (1838)
У ХХ ст. російська натюрмортного живопис стала рівноправною серед інших жанрів. Художники працювали над досконалістю кольору, форми, композиції, жанр став швидко розвиватися.
Відомі російські і радянські художники, які працювали і працюють в жанрі натюрморту: Костянтин Коровін (1861-1939), Ігор Грабар (1871-1960), Петро Кончаловський (1876-1956), Кузьма Петров-Водкін (1878-1939), Мартирос Сарьян ( 1880-1972), Ілля Машков (1881-1944), Олена Скуінь (1909-1986), Петро Альберті (1913-1994), Сергій Осипов (1915-1985), Євгенія Антипова (1917-2009), Віктор Тетерін (1922- 1991), Майя Копитцева (1924-2005), Ярослав Крестовский (1925-2003), Володимир Стожаров (1926-1973), Борис Шаманов (1931-2008) і ін.

Е. Скуінь «Півонії і вишня» (1956)

В. Стожаров. Натюрморт з горобиною (1969)

Натюрморт в різних стилях і напрямках мистецтва

Рубіж XIX-XX ст. відомий експериментами в області художньої творчості. Натюрморт також не уникнув цієї долі. Першими почали експериментувати з натюрмортом Поль Сезанн, Поль Гоген, Анрі Матісс та ін.

П. Сезанн. Натюрморт з драпіруванням (1889). Ермітаж (Санкт-Петербург)
сміливо експериментував кубістП. Пікассо.

П. Пікассо «Глечик, келих і книга» (1908)
Ж. Шлюб також працював в стилі кубізму.

Ж. Шлюб «Музичні інструменти» (1908)
кубофутурістипрацювали в пошуках нового просторово-часового виміру.

К. Малевич «Корова і скрипка» (1913). Державний Російський музей (Санкт-Петербург)
Його «... інтуїтивне відчуття знайшло в речах енергію дисонансів, отриманих від зустрічі двох протилежних форм» (К. Малевич «Від кубізму і футуризму до супрематизму»).
У метафізичних натюрмортах Джорджо Моранді (1890-1964) предмети туляться один до одного, утворюючи щільні групи, немов прагнучи зберегти тепло, боячись зовнішнього холоду і агресії.

Джорджо Моранді. Natura Morta (1956)
Найвідоміший представник сюрреалізмуСальвадор Далі в своїй знаменитій праці «Сталість пам'яті», що є по суті алегоричним натюрмортом, розмірковує про відносність часу.

С. Далі «Постійність пам'яті» (1931)
Комерційна реклама другої половини XX в. виховала в людях жадібне відношення до речей і наситяться споживання. У наявності фетишизація предмета. Елементи натюрмортного жанру починають перетворюватися з мистецтва в джерело споживання.

Енді Уорхол «Банку з супом Кемпбелл» (1968)
Дмитро Краснопевцев представляє російське «неофіційне» мистецтво, хоча має цілком офіційне класичну художню освіту (закінчив Московський художній інститут імені В. І. Сурікова).

Д. Краснопевцев. Натюрморт
Основний жанр Краснопевцева - близький до сюрреалізму «метафізичний натюрморт» з простої, часто побитої керамікою, сухими рослинами і раковинами. Ці роботи, написані в попелястих тонах, розвивають мотив тлінність і ірреальності світу.
А ось картини-натюрморти сучасного художникаДмитра Анненкова цілком «одухотворені». Вони різні: радісні, сумні, смішні, але цілком живі. Їх хочеться доторкнутися. Дивлячись на ці натюрморти, неможливо утриматися від доброї усмішки.

Д. Анненков «Натюрморт з кавомолкою»

Д. Анненков «Весняне сонце»

Д. Анненков «Спогади про літо»

Натюрморт як самостійний жанр живопису з'явився в Росії на початку XVIII століття. Уявлення про нього спочатку було пов'язано з зображенням дарів землі і моря, різноманітного світу речей, що оточують людину. Аж до кінця 19 століття натюрморт, на відміну від портрета і історичної картини, розглядався в якості "нижчого" жанру. Він існував головним чином як навчальна постановка і допускався лише в обмеженому розумінні як живопис квітів і фруктів.

Іван Хруцький "Квіти і плоди" 1839

Тоді в Росії було безліч художніх об'єднань.

Микола Сапунов "Квіти і вази на рожевому тлі", 1910 р

Яскравий художник, майстер театральних композицій і екзотичних натюрмортів, Н. Сапунов мав дуже своєрідним колористичним талантом. У період написання натюрморту "Квіти і вази на рожевому тлі" Микола Сапунов був членом об'єднання символістів "Блакитна троянда". Поетика символізму вабила художників до романтично-окультно темам.

А. Блок виділяв в його творчості шукання колірного ритму, колірної музики, колірної драми яка відповідала б драмі тих вистав, до яких він малював декорації.

Схильний до богемного життя художник якось плавав з компанією в човні на Фінській затоці, і потонув у віці 32 року.

Петро Кончаловський був членом об'єднання "Бубновий валет". Для цього об'єднання характерні пошуки нових живописно пластичних рішень, деформація і розчленування форми, фактурність живопису, виявлення форми та об'єму кольором, прагнення до живопису чуттєвої, матеріально-фарбової боку буття. Ідейні витоки - так званий "російський сезаннізм", російське народне мистецтво (лубок, ікона, кахель, розпису, торгові вивіски).

П. Кончаловський "Червоний піднос", 1913

Укрупнити, огрубити, але зробити кожну річ щільною і міцною - ось завдання молодого Кончаловського в його численних натюрмортах, де випадково фігурує часто той же ринковий піднос як свого роду камертон, що задає живопису необхідний рівень колористичного напруги. Колір тут передає не тільки поверхневу розмальовку, скільки саму форму і масу, матеріальну плоть речей.

Ілля Машков "Їжа Московська"

Скандальна слава супроводжувала молодому Іллі Машкова - азартного і заповзятливому самородку, набравши життєвого досвіду "в людях" (працюючи в крамницях у торговців), який пройшов "університети" в європейських музеях, але вигнаному в 1909 р зі стін МУЖСА (Моск. Училище Живопису ліплення і Зодчества). Втім, ще навчаючись, Машков з великим успіхом вчив сам - його студія (1904-17; в 1925 перетворена в Центральну студію АХРР) була найдорожчою і одночасно найбільш відвідуваною в Москві.

Ілля Машков "Натюрморт з кінським черепом", 1914 р

Вразивши глядачів і критиків "варварським" напором своєї живопису на виставках "Золотого руна" і "Салону Іздебського" (1909-10), Машков знайшов своє місце серед художників, які склали товариство "Бубновий валет" (П. П. Кончаловський, А. В . Лентулов та ін.). "Валет" стверджували матеріальність світу і "низького" предмета; щедрість і мажорній Машковська палітри, рясність його натюрмортних постановок виявилися співзвучні програмі об'єднання.

У прагненні повернути мистецтво "з небес на землю" художники цього кола орієнтувалися на "ремесло" - вуличну вивіску, піднос, лубок. Машкова таке ремесло було рідним з дитинства, і примітивізм його натюрмортів і портретів - самий простодушний і справжній.

Ілля Машков "Натюрморт з фруктами"

Живописець, закоханий «в яскраву плоть і кров речей». Ця життєстверджуюча, реалістична, оптимістична установка виявилася дуже до підходящої для нових завдань мистецтва. Ясний погляд на світ, погляд трудящої людини, того, хто радіє самій роботі і святкує її результати, характерний для художника в післяреволюційні роки. У Машкова своє, особливе розуміння співвідношення в живопису предметного і просторового, і пафос його - утвердженню здорового реальності предмета за допомогою посилення його пластичних і колірних характеристик.

Загострена увага до самоцінності предметів дозволило живописцю виявити в простих, звичних речах нові виразні можливості.

Ілля Машков "Мідний посуд"

У «Натюрморті з самоваром (Мідний посуд)» (1919) кухонне начиння - кавник, молочник, кружка, тарілка, праска, підноси, - дружно згуртувавшись і витіснивши простір на периферію полотна, нагадує невелике, але сильне своїм єднанням і впевненістю військо. Стримана, майже монохромна колірна гамма виділяє карбовані форми предметів, передає їх неяскравий, але сильний блиск. Кожна річ постає в своєму яскраво індивідуальному образі, але всіх їх об'єднує якась майже «ідейна» спільність - приналежність до одного «класу», матеріалу - міді. Це апофеоз краси скромного металу, і звучить він дзвінко, урочисто, потужно. Суверенні, вагомо стоять мідні предмети, і глядач, підкорений виходить від них стриманою силою, забуває про чисто побутовому їх призначення.

Натюрморти Петрова-Водкіна невибагливі по набору предметів і несуть прикмети суворої епохи, в яку вони створені. У цьому сенсі класичним став натюрморт із зображенням худої оселедця, шматка хліба і двох картоплин - мізерного пайка голодного часу.

Кузьма Петров-Водкін "Оселедець», 1918

Художник любить вводити в них дзеркала, скляні або просто якісь блискучі предмети (самовар, нікельований чайник), що дозволяють йому віддатися аналізу складної гри рефлексів, заломлень падаючих і відбитих у внутрішніх гранях пучків світла. У цих дослідженнях в дусі Врубеля Петров-Водкін замінює пристрасність свого геніального попередника методично-наполегливим прагненням до пізнання предмета у всіх його аспектах.

Кузьма Петров-Водкін "Натюрморт з чорнильницею», 1918

Розкладені і розставлені на столі речі художник розглядає зверху, так що розташування їх піддається точній фіксації і їх видно "як на долоні"; поліровані грані чайника або покрита склом поверхню столу подвоюють зображення, дозволяючи поглянути на нього з невидимою художнику боку. Таким чином, Петров-Водкін долає монокулярну точку зору, що здається йому недостатньою і не відображає істинне знання про предмет, який можна обійти навколо, отримавши в результаті сумарне і більш повне уявлення про нього.

Кузьма Петров-Водкін "Черемуха в склянці", 1932

Найдивовижніше в усіх натюрмортах Петрова-Водкіна полягає в тому, що пильний, часом скрупульозний аналіз предметів і сувора, майже експериментальна композиційна построенность полотна ні в якій мірі не позбавляють їх безпосередності художницької сприйняття натури, не кажучи вже про багатство і тонкощі кольору. Особлива чіткість зображення, в якому предмети як би названі по черзі і не затуляють один одного, народжує майже фізичне відчуття радості від споглядання цих натюрмортів, таких як ніби простих і таких, по суті, непростих, як далеко не просто і не однозначно все мистецтво Петрова -Водкіна.

Розуміючи світ як великий натюрморт, як поєднання відчутно-матеріальних барвистих фактур, він не звертався ні до радикальних форм авангарду - зупинившись як би на порозі кубізму, - ні до лубочно-фольклорному примітиву.

А. Купрін "Натюрморт з синім підносом", 1914

У роботах його раннього періоду домінують напружені барвисті контрасти, натура сприймається як би осязательно-предметно і в той же час досить відчужено.

Зінаїда Серебрякова «Натюрморт з атрибутами мистецтва»

Ця робота Серебрякової має традиційну для художника композицію. Як це прийнято на творах з подібною назвою, тут зображена антична маска, присутній ящик з фарбами, рулон паперу, що нагадує сувій, на другому плані розташувалися скляні пляшечки з порошками-пігментами для фарб і світла керамічна ступка. Натюрморти на «виробничу тему» часто зустрічаються у творчості художників.

У 1913 р .П.Кончаловскій написав картину «Сухі фарби», в якій виразно видно інтерес художника до поєднання яскравих пігментів: оранжевого з кобальтом, охри з червоним.

П.Кончаловського "Сухі фарби", 1913

Полотно виконане в грубуватою, спрощеної манері. Живопис Серебрякової м'якше, тактовність. У книгах, в кистях, забруднених фарбою, в листах ватману, залишених на столі, живе теплий дотик рук художника, тріпоче любов, жвавий інтерес, прихильність до незмінним і розумним помічникам його праці. І може бути, саме в цьому: в людяності предметного світу, в його зримою зв'язку з людьми - все повніше розкриваються тлумачення і оцінка, яку Зінаїда Євгенівна дає дійсності. Вона з'єднана зі світом предметів глибокої внутрішньої спільністю, речі служать їй як старі добрі слуги, добре знайомі в своїх постійних і корисні якості. Світ Серебрякової розкривається перед нами повним рівного, ясного, теплого світла і гармонії.

Ігор Грабарь "Бузок і незабудки"

Саме тоді Грабар захоплювався мальовничим методом Клода Моне. "Хризантеми" в цьому відношенні надзвичайно типові. Колірний аналіз вібруючої световоздшной середовища близький деяким пошукам французьких живописців цього напряму.

Ігор Грабарь "Хризантеми"

Художник шукає виходу в підпорядкуванні форм і фарб певного декоративному ритму. Дуже скоро це подолання відомої обмеженості імпресіоністичного методу ставати у Грабаря послідовним. Художник ставить натюрморти з метою спеціального аналізу кольору, форми, матеріальності предмета. Натюрморти Грабаря відзначені різноманітністю і складністю поставлених завдань, пошуками нових художніх прийомів. Це не випадково. Все тут говорить про близькість нового етапу в розвитку російського натюрморту. В атмосфері боротьби за нові художні форми, якої проникнута живопис 1900-х років, натюрморт ставати одним з провідних жанрів, ареною творчого експерименту.

У 30-40-ті роки ХХ століття розвиток натюрморту призупинилося, але вже з середини 50-х років цей жанр переживає в радянській живопису новий підйом і з цього часу остаточно і твердо встає врівень з іншими жанрами.